Театральное художественное наследие в частных коллекциях России

Инна Пуликова

Распечатать

Театральное художественное наследие – одно из самых интересных для исследования направлений в российском частном коллекционировании произведений искусства. Не затрагивая коллекции театральных костюмов, театральных афиш, программок и меморабилий, связанных с личностями деятелей театра, я остановлюсь на наиболее популярном сегменте «театрального» коллекционирования – эскизах и проектах театральных костюмов и декораций. Эти рисунки, наброски (как правило, графика или произведения, выполненные в смешанной технике), нередко с пояснениями и инструкциями художника, столетиями являлись неотъемлемой и совершенно рутинной частью подготовки спектакля.

Однако сегодня, театральные работы русских художников занимают важное место не только в богатых фондах «профильного» Государственного центрального театрального музея имени А. А. Бахрушина, но и в собраниях крупнейших художественных музеев, в том числе Государственной Третьяковской галереи и Государственного Русского музея. Например, в Отделе личных коллекций ГМИИ им. А.С. Пушкина, хранятся значимые собрания эскизов театральных костюмов и декораций, поступившие в составе коллекций Никиты Лобанова-Ростовского и Ильи Зильберштейна (фактического создателя Отдела личных коллекций). После Октябрьской революции многие русские художники продолжили свою работу (в том числе для театров) в эмиграции, поэтому русское театральное художественное наследие до сих пор можно встретить и в зарубежных собраниях.

Почему же «технические» театральные работы русских художников получили коллекционный статус? Изменение их восприятия обусловлено объективными исторически причинами и произошло в конце XIX – начале ХХ века, когда по времени совпали расцвет русского музыкального искусства, отечественной драматургии, активное развитие частных театров – музыкальных и драматических, появление целой плеяды замечательных художников и громко заявивших о себе художественных объединений. Над театральными проектами стали работать группы единомышленников, привлекая к сотрудничеству близких по духу людей – композиторов, драматургов, художников. Русский театр на рубеже эпох распространял свое влияние на другие виды искусств и, можно сказать, «втягивал» их в свою орбиту; совершенно естественно, что лучшие русские художники стали приглашаться для оформления театральных постановок. Это было новшеством – впервые имя автора декораций и костюмов становилось важным фактором, привлекающим публику, а театральные работы художников такого уровня стали приобретать значимость наряду с их станковыми работами.

Одним из первых таких авторов стал Константин Коровин – прославленный живописец сотрудничал с Частной оперой Саввы Мамонтова и в 1885-1898 гг. оформил множество спектаклей, среди которых «Аида», «Дон Жуан», «Фаворитка», «Псковитянка», «Богема», «Садко», «Майская ночь», «Борис Годунов». Позднее, работая почти четверть века в Большом театре, Коровин оформил свыше 50 опер и балетов в том числе: «Жизнь за царя», «Русалка» «Золотой петушок», «Князь Игорь», «Евгений Онегин», «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Дон Кихот», «Раймонда», «Сказание о невидимом граде Китеже». Для Мариинского театра художник оформил оперу «Демон» Антона Рубинштейна (1902). С 1924 г. Коровин жил и работал в Париже (среди его работ того времени – декорации к опере «Князь Игорь» для открытия частной Русской оперы Марии Кузнецовой-Бенуа), оформлял спектакли в театрах Турина, Лондона, Нью-Йорка.

«Как раз с приглашения Головина (1899), Коровина, Апол. Васнецова («Садко, 1900), Бакста (1900) и меня (Александра Бенуа – прим авт.) началось «вторжение» посторонних художников в замкнутую сферу деятельности профессионалов и специалистов». Александр Бенуа – художник, критик, теоретик искусства, основатель объединения «Мир искусства» – в своих воспоминаниях он зафиксировал момент «массового» появления на театральной сцене художников, которые отказывались от привычной декорации-фона и воспринимали спектакль как единое целостное художественное «произведение». За свою долгую творческую жизнь Бенуа оформил огромное количество постановок (он выступал и как художник и как сценограф и как постановщик), поэтому на русском антикварном рынке его работы появляются достаточно часто и пользуются неизменной любовью коллекционеров.

Первым спектаклем, над которым работал Бенуа, стала одноактная опера «Месть Амура», поставленная в 1900 в Эрмитажном театре Петербурга, а последние свои спектакли художник оформил в конце 1950-х для театра Ла Скала. В 1902 году Бенуа оформил в Мариинском театре оперу «Гибель богов», а в 1907 году – балет «Павильон Армиды». Во время первых «Русских сезонов» Сергея Дягилева в Париже Бенуа был не только художественным директором и автором декораций, но и постановщиком спектаклей, среди которых «Сильфида», «Петрушка», «Соловей», «Праматерь», «Борис Годунов». В 1913 – 1915 годах Александр Бенуа в качестве художника и режиссера работал в МХТ и сотрудничал со Станиславским и Немировичем-Данченко, оформив спектакли «Брак поневоле», «Мнимый больной», «Каменный гость», «Пир во время чумы» и др. Неоднократно, в 1910, 1923 – 1925 и 1940-х годах на разных площадках художник создавал версии постановок балета «Жизель». После Октябрьской революции Александр Бенуа работает за границей, а с 1946 г. участвует в возрождении театра Ла Скала, где создает оформление большинства спектаклей, поставленных театром, в том числе «Бал-маскарад», «Трубадур», «Фальстаф», «Травиата», «Риголетто».

Лев Бакст – художник, модельер, дизайнер, иллюстратор; невероятные цветовые сочетания его театральных костюмов с восторгом принимались зрителями и сделали художника фактическим законодателем мировой моды. Бакст был ведущим художником «Русских сезонов» и «Русского балета С. Дягилева» и создал костюмы и декорации к балетам «Клеопатра» (1909), «Шехерезада» и «Карнавал» (1910), «Нарцисс» (1911), «Дафнис и Хлоя» (1912), «Синий бог» (1912), «Видение розы» (1911), «Послеполуденный отдых фавна (1912). Свою последнюю крупную постановку – балет «Спящая красавица» – Бакст оформил в1921 для Сергея Дягилева.

В 1907 году художник Мстислав Добужинский писал: «В московском окружении театра (МХТ – прим.авт.) были настоящие его друзья, сочувствующие всем начинаниям театра, которые часто откровенно осуждали недостатки декоративной стороны постановок и давно советовали Станиславскому привлечь новые силы – именно петербургских художников «Мира искусства». Есть основания думать, что Станиславский, привыкший работать с художниками, точно следовавшими его указаниям, долго колебался, боясь «засилья» этих художников из-за слишком определенной их индивидуальности. Но ближе познакомившись с нашим кругом, он, наоборот, увидел возможность самого интимного сближения. ˂…˃ Беспристрастно можно сказать, что результаты нашей связи с театром были поистине счастливыми». Художник, которому принадлежит значительное место в обновлении театрального русского и европейского искусства первой половины XX века, продолжал сотрудничество с МХТ до 1917 г. Он создал оформление спектаклей «Месяц в деревне» (1909), «Николай Ставрогин/Бесы» (1913), «Нахлебник», «Где тонко, там и рвется», «Провинциалка» (все – 1912), «Горе от ума» (1914), «Будет радость» (1915), «Село Степанчиково» (1916). Добужинский сотрудничал с Малым театром, оформлял постановки Мейерхольда, создал декорации балетов «Бабочки» и «Мидас» (1914) для «Русских сезонов» Дягилева в Париже.

В 1920-е годы Добужинский работает для Дрезденской оперы, оформляет спектакли в Брюсселе и Дюссельдорфе, исполняет декорации для спектаклей театра Никиты Балиева «Летучая мышь» в Париже, а в 1931 году становится главным художником Литовского государственного театра. В Англии Добужинский выполнил декорации к опере «Борис Годунов» (1935) и балету «Щелкунчик» (1937). Сотрудничая с актером и режиссером Михаилом Чеховым, художник, вместе с театром М.А. Чехова переехал в США, где работал над декорациями и костюмами в Метрополитен-опере для постановок оперы Д. Верди «Бал-маскарад» (1940) и оперы М.П. Мусоргского «Хованщина» (1950).

Художник Александр Головин получил заслуженное признание как мастер станковой живописи, создатель мебели и интерьеров, был активным участником проектов объединения «Мир искусства». В 1900 году начинает работать для Большого театра, а в 1902 году приглашается в Петербург на должность главного художника императорских театров, где создает самые известные свои постановки, среди которых «Кармен» (1908), «Орфей и Эвридика» (1911), «Каменный гость» (1917). Для Александринского театра в Петербурге Головин оформляет спектакли «У врат царства» (1908), «Гроза» (1916), «Маскарад» (1917). Как и многие его коллеги, Головин работал для дягилевских «Русских сезонов», где в его художественном оформлении вышли опера «Борис Годунов» (1908) и балет «Жар-птица» (1910). После Октябрьской революции он работал в советских театральных постановках, среди которых «Женитьба Фигаро» (1927) и «Отелло» (1930, обе – МХАТ).

Великолепный художник, мастер цвета, Борис Анисфельд, чьи долгие и плодотворные жизнь и творчество разделены между Российской империей и США, первую свою театральную постановку оформил для спектакля Мейерхольда «Свадьба Зобеиды» (1907). В 1909 он году исполнил декорации по эскизам Льва Бакста для «Русского балета» Дягилева, после чего работал как самостоятельный автор в постановках балетов «Подводное царство» (1911), «Исламей» в Мариинском театре (1912), «Прелюды» и «Семь дочерей Горного короля» в Берлине для антрепризы Анны Павловой (1912 – 1913), «Египетские ночи» в Берлине и Стокгольме для антрепризы Михаила Фокина (1913 – 1914), «Сильфиды» в Лондоне для антрепризы Вацлава Нижинского (1914). Выехав в 1917 году в Нью-Йорк для организации выставки в Бруклинском музее, Анисфельд остался работать в США. Он успешно сотрудничал с Метрополитен Опера и Чикагской оперой, оформил множество спектаклей, балетов, опер, но из-за творческих разногласий завершил работу с театрами, сосредоточившись на преподавании и станковой живописи.

«В 1905 году началось сотрудничество (Николая Сапунова – прим. авт.) с В.Э. Мейерхольдом в только что возникшей при МХТ экспериментальной Студии на Поварской (Москва). Художник участвовал в декорировании интерьеров студии и оформлении первого спектакля «Смерть Тентажиля» М. Метерлинка. В этом же году Сапунов исполнил две декорации к опере П.И. Чайковского «Евгений Онегин» для оперного кружка художественных исканий, которым руководили И.А. Сац и Л.А. Сулержицкий; написал декорации для музыкальных постановок на больших сценах: «Севильский цирюльник» Д. Россини, «Дон Жуан» В.А. Моцарта. Исполнил две декорации к спектаклю по произведению К.Д. Бальмонта для «Театра трагедий», организованного артистом Художественного общедоступного театра Н.Н. Вашкевичем». Замечательно талантливый художник, входивший в объединение «Голубая роза», и тонко чувствовавший саму атмосферу искусства модерна, Николай Сапунов исполнил эскизы декораций к пьесе «Дядя Ваня» для Александринского театра в Петербурге и для частного театра Незлобина в Москве. Среди его театральных работ «Гедда Габлер» (1906), «Балаганчик» (1906, оба – Театр В. Ф. Комиссаржевской), пантомима «Шарф Коломбины» (1910). Премьера последнего спектакля, оформленного Сапуновым – «Принцессы Турандот» в театре Незлобина – состоялась в 1912 году через несколько месяцев после гибели художника.

Федор Федоровский и Петр Вильямс – создатели художественных решений спектаклей Большого театра середины ХХ века, ставших подлинными легендами отечественного театра. Федоровский, в 1913-1914 гг. работавший в Париже для антрепризы Сергея Дягилева, а позже создавший проект рубиновых звезд для башен Кремля (1936) и «золотого» занавеса Большого театра, стал автором художественного оформления эпических опер в Большом театре, среди которых «Борис Годунов» (1927, 1948), «Садко» (1935, 1949, 1950), «Князь Игорь» (1934, 1953), «Великая дружба» (1947), «Царская невеста» (1955), «Хованщина» (1949 в ГАБТ и 1952 в ЛАТОБ им. С.М. Кирова), «Псковитянка» (1932 ГАБТ и 1952 в ЛАТОБ им. С.М. Кирова).

Петр Вильямс начал работать как театральный художник с 1929 г., оформлял спектакли МХАТ и театра им. Вахтангова, театра имени К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко; в 1941 г. стал главным художником Большого театра, создав художественное оформление спектаклей «Иван Сусанин» (1939, 1945), «Вильгельм Телль» (1942), «Евгений Онегин» (1944), «Золушка» (1945), «Ромео и Джульетта» (1946). Отдельного внимания заслуживают живописные работы Вильямса, не связанные напрямую с театральными постановками, в том числе замечательные портреты Всеволода Мейерхольда (1925), Николая Охлопкова (1926), Сергея Мартинсона (1927), Константина Станиславского (1933).

Талант и неповторимые творческие индивидуальности художников, работавших для русского театра в конце XIX – первой половине ХХ века, создали удивительный визуальный мир, сегодня в нашем сознании неразрывно связанный с шедеврами драматургии, музыки, актерской игры и режиссерских решений той эпохи. Это была Древняя Русь и Средневековье Николая Рериха, Аполлинария Васнецова и Константина Юона, мир оживших русских сказок Ивана Билибина, карнавальная стихия Сергея Судейкина, волшебство Михаила Врубеля, пространство смелых экспериментов Аристарха Лентулова, Михаила Ларионова, Натальи Гончаровой и Александры Экстер, фантастическая вселенная Александра Тышлера, мистика и романтизм Павла Челищева… В театре оставил след и Марк Шагал – пусть число оформленных им спектаклей невелико, но он расписал, ставший легендарным, плафон парижской Гранд Опера (1964). Валентин Серов работал для театра не так много, создав эскиз декорации для оперы «Юдифь» и великолепный занавес для балета «Шахерезада», но афиша балета «Сильфиды», созданная Серовым в 1909 г. с невесомой фигурой Анны Павловой, стала самостоятельным произведением – символом не только «Русских сезонов», но и самого искусства балета.

А что же вторая половина ХХ века? Из этого периода у коллекционеров завоевали популярность театральные работы Бориса Мессерера и Михаила Шемякина, которые регулярно появляются в продаже в галереях и на аукционных торгах. И это неудивительно: знаменитый театральный художник и сценограф Борис Мессерер стал автором более 150 оперных, балетных и драматических спектаклей, сотрудничал с театром Сатиры, «Современником», театром им. Моссовета. Для Большого театра он, как художник создал спектакли «Подпоручик Киже» (балет, 1963), «Пиковая дама» (1964), «Кармен-сюита» (1967), «Конёк-горбунок» (1999), «Светлый ручей» (2003). Для МХАТ им. А.П. Чехова он работал над спектаклями «Сладкоголосая птица юности» (1975), «Трагики и комедианты» (1991), «Горе от ума» (1992),«Борис Годунов» (1994), «Преступление и наказание» (1996), «Привидения» (1997).

Постановка балета «Щелкунчик» (2001) в Мариинском театре, где Михаил Шемякин выступил как автор костюмов, масок и декораций, стала безусловным событием, но одновременно и подтверждением опасений Станиславского, о которых вспоминал Добужинский – художественное решение спектакля перетягивало на себя внимание зрителей. Художник, скульптор, постановщик шествий и публичных зрелищ, Шемякин оформлял для Мариинского театра балеты «Принцесса Пирлипат, или наказанное благородство» (2003), «Волшебный орех» (2005), одноактные балеты «Метафизика», «Кроткая» и «Весна священная»(2006); для Литовского национального театра оперы и балета создал новую версию балета «Коппелия» (2010).

В музейных и частных собраниях можно увидеть представительные коллекции работ (театральных и станковых) художника Владимира Серебровского, работавшего, в том числе, для театра им. М. Н. Ермоловой, Свердловского государственного театра оперы и балета им. А. В. Луначарского, Таджикского государственного академического театра оперы и балета им. Садриддина Айни, Азербайджанского Государственного Русского Драматического театра. В качестве главного художника он оформил более 30 спектаклей МХАТ им. М. Горького – от «Вишневого сада» А.П. Чехова (1988) до «Отелло уездного города» («Грех да беда на кого не живет») А. Островского (2015).

Валерий Левенталь, известен коллекционерам своими работами не только для спектаклей Большого театра (где он был художником-постановщиком и главным художником,1988-1995). Он оформлял постановки Театра им. М. Н. Ермоловой, театра им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, много работал во МХАТе, а с 1987 года – в МХТ им. Чехова, оформляя спектакли по пьесам А. Гельмана, М. Рощина, С. Мрожека, А. Островского, а также постановки Олега Ефремова по пьесам Чехова: «Чайка», «Дядя Ваня», «Вишнёвый сад» и «Три сестры».

Насколько реально сегодня собрать достойную коллекцию, посвященную театральному художественному наследию? Да, большинство лучших театральных работ классиков русского искусства разошлись по музейным коллекциям и частным собраниям. Тем более что театральные работы это, как правило, графика или смешанная техника, что определяет более низкие цены при знаменитом имени автора. Но каталоги российских аукционных домов и художественные галереи Москвы и Санкт-Петербурга время от времени дают возможность совершить удачную покупку. Справедливости ради нужно отметить, что в Москве последний по времени профильный аукцион «Театр и мода XVIII-XX веков в живописи, графике и книгах» состоялся в декабре 2017 в московской галерее «Три века»– «громких» имен там не было, зато были умеренные эстимейты и достаточно обширный выбор из 298 лотов. У международных аукционных домов, которые (в связи с ростом финансовых возможностей покупателей из России и СНГ) внимательно отслеживают «русскую» тему, практически на каждых торгах возникают эскизы декорация и театральных костюмов, с ценами от сотен до десятков тысяч (в редких случаях, сотен тысяч) долларов США.

История русского театра прекрасна, но не стоит замыкаться в прошлом. У настоящего коллекционера и ценителя искусства хватит зоркости и смелости, чтобы заметить, понять и по достоинству оценить творческие процессы, современником которых он является. Театральные художники наших дней – Сергей Бархин, Александр Боровский, Павел Каплевич, Степан Лукьянов, Юрий Хариков, и многие другие замечательные авторы – создают образ современного российского театра, и их работы могут стать гордостью и основой замечательных и совершенно уникальных частных собраний будущего.

Автор выражает искреннюю благодарность Марине Васильевне Мамонтовой за разрешение опубликовать изображения произведений из собрания семьи Мамонтовых, а также выражает признательность Любови Сергеевне Кристи за помощь в подготовке статьи.

1 С начала 1960-х годов Никита Лобанов-Ростовский вместе с супругой Ниной Лобановой-Ростовской стал собирать коллекцию русского театрально-декорационного искусства конца XIX — начала XX веков. Сегодня она насчитывает около тысячи произведений и является одним из самых значительных собраний русского искусства за пределами России. Коллекция Лобановых-Ростовских дважды демонстрировалась в Музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина — в 1988 и 1994–1995 годах.
2 В собрание Ильи Зильберштейна входят произведения группы художников объединения «Мир искусства», почти 50 работ Л.С. Бакста и столько же — К.А. Сомова, 72 рисунка А.Н. Бенуа и многих других. Только в Отделе личных коллекций ГМИИ им А.С. Пушкина есть полное собрание эскизов Льва Бакста к постановке, в частности - к балету на музыку Ж.Ж. Роже-Дюкасса «Орфей» (1914-1915).
3 Ограниченный объем журнальной публикации не дает возможности упомянуть абсолютно всех художников, сотрудничавших с отечественными театрами в конце XIX – начале XXI века (и все постановки, к оформлению которых они приглашались), поэтому здесь будут названы имена авторов, чьи работы наиболее часто встречаются в частных коллекциях и востребованы на арт-рынке.
4 «Александр Бенуа. Мои воспоминания». Книга четвертая и пятая. Москва. «Наука». 1993. С.456.
5 «М.В. Добужинский. Воспоминания». Москва. «Наука». 1987. С. 235.
6 «Николай Сапунов. 1880-1912. Выставка произведений. Каталог». Государственная Третьяковская галерея. Москва. 2003. С. 31.

Литература

1. Марк Эткинд. Александр Бенуа. Ленинград - М., 1965.
2. Александр Бенуа. Дневник 1916-1918 годов. М.,2006.
3. Парижские находки. К 100 - летию со дня рождения И.С. Зильберштейна. М.. 2005.
4. Пружан И. Н. Лев Самойлович Бакст. — Л., 1975.
5. Константин Коровин вспоминает, М., 1971.
6. Елена Беспалова. Бакст в Париже. БуксМарт. Москва, 2016;
7. Русский музей. Виртуальный филиал. Театрально-декорационное искусство https://virtualrm.spb.ru/ru/resources/galleries/dobujinskiy_teatr ;
8. Отдел личных коллекций ГМИИ им. А.С. Пушкина. Собрание Н.Д. Лобанова-Ростовского: http://www.artprivatecollections.ru/collection/lobanov_rostovsky/index.php;
9. Отдел личных коллекций ГМИИ им. А.С. Пушкина. Собрание И.С. Зильберштейна: http://www.artprivatecollections.ru/collection/i_s_zilberschtein/index.php;
10. Николай Сапунов. 1880-1912. Выставка произведений. Каталог. Государственная Третьяковская галерея. Москва. 2003.
11. М.В. Добужинский. Воспоминания. Москва. Наука. 1987.
12. Александр Бенуа. Мои воспоминания. Москва. «Наука». 1993.

Возврат к списку